III
Me mido
Contra un árbol alto.
Descubro que soy mucho más alto,
Pues alcanzo hasta el sol,
Con mi ojo;
Y alcanzo la orilla del mar
Con mi oído.
Sin embargo, no me gusta
La forma en que las hormigas
Se arrastran dentro y fuera de mi sombra.

–Wallace Stevens, de “Six Significant Landscapes,” Harmonium, 1916.

Richard Long ha estado usando la Tierra para medir su humanidad durante más de medio siglo. Cada paso, de los millones que ha dado al atravesar el planeta, tiene el potencial revelador del salto de Neil Armstrong desde el LM Eagle a la superficie de la luna. Stones Along the Path, como la huella de la bota de Armstrong, registra un paso: y por lo tanto, es una ocasión para reflexionar sobre dónde estamos.

Texto: Dakin Hart

Richard Long
Stones Along the Path
2024
Approx 49.5m x 60cm
(c) the Artist; Courtesy, Lisson Gallery

La obra «From Where We Rise» de Claudia Comte, basada en su exposición en Casa Wabi del mismo nombre, no parece ser en principio una obra de protesta pública. No en el contexto de trabajos más claramente políticos como su reciente serie de pinturas HAHAHA. Con títulos como «Una bolsa de plástico a la deriva bajo el agua sobre un arrecife de coral (pintura jajaja)» (2022) y «Una madre y su hijo en una instalación de cría de macacos (pintura jajaja)» (2022), sugieren tanto la alegría de un supervillano como la calidad frenética de la desesperación de reír o llorar frente a la calamidad. Otra serie reciente de lo que son básicamente relieves funerarios para la flora en mármol blanco de Carrara (al estilo de la escultura sepulcral romana) lleva títulos como «REDUCCIÓN DE LAS LLUVIAS VINCULADAS CON LA DEFORESTACIÓN TROPICAL» (2023) y «CASI UN TERCIO DE LOS CACTUS DEL MUNDO ENFRENTAN LA EXTINCIÓN, DICE LA UICN» (2023).

En contraste con estas declaraciones explícitas de protesta, «From Where We Rise» parece ser algo diferente: más un experimento en la percepción visual que un activismo social. Pero su tema es la precariedad de la condición humana. Un paisaje de dunas de suelo rojo que crestean en un clímax que se repite infinitamente, está en diálogo directo con el medio ambiente: en aparente armonía con las plantas que son parte integral de él. Pero este es un espejismo magnífico. El patrón insistente y acelerado de formas de onda irregulares es un campo de distorsión: un claxon visual que señala el destino. Como la lectura de un osciloscopio terrestre, lo que la frecuencia, ciclo, longitud de onda, amplitud y fase de estas ondas nos dicen es que nuestra existencia se está acelerando hacia la masa crítica.

Por supuesto, está bien disfrutar de su belleza, pero también debemos tener el valor de verla por lo que es: una especie de diorama futurista que podríamos imaginar que fue creado para contar la historia de la muerte de la Tierra, quizás para un museo de historia natural en otro planeta dentro de un millón de años. El resumen visual siendo que hemos amplificado las olas de la Tierra hasta que se salgan de control, convirtiendo nuestro glorioso planeta jardín en un desierto inhabitable. Como tal, «From Where We Rise» debería ser clasificado no como Op Art, sino como otros monumentos del mundo, como el «Sculpture to Be Seen From Mars» de Isamu Noguchi, un vasto epitafio de arte terrestre a la humanidad que Noguchi propuso en 1949 bajo la suposición de que el amanecer de la era atómica señalaba la inevitabilidad de nuestra autoaniquilación.

La versión del suroeste de los Estados Unidos y Monument Valley (Arizona/Utah, EE. UU.) presentada en las caricaturas de Looney Tunes protagonizadas por Wile E. Coyote y Road Runner ha sido citada antes como fuente para los paisajes de Comte. Lo cual puede sonar extraño al principio, rozando lo insultante, pero fue y es una interpretación seria. Al igual que en «From Where We Rise», la calidad impresionante y compuesta de su trabajo tiende a enmascarar lo absurdo intencional de sus manías. Así como la exuberancia exhibida en esas caricaturas, que regularmente se desvía hacia una locura bastante desnudamente viciosa que nosotros, con la cabeza enterrada en la arena, interpretamos como mera tontería, camufla el hecho de que son artefactos de la Guerra Fría y son completamente sintomáticos de sus psicopatías.

La lucha brutalmente sin sentido entre Wile E. Coyote y Road Runner refleja el miedo y la ansiedad de vivir bajo la amenaza perpetua de un inminente holocausto nuclear. La enemistad supuestamente natural entre los dos protagonistas es sátira. La carrera armamentista alegre en la que participan es sátira. La ausencia de cualquier comunicación significativa entre ellos además de la violencia es sátira. El paisaje que «habitan», el del proyecto Manhattan (el uso frecuente de nubes de hongo en miniatura enfatiza el punto), es un presagio de las condiciones ambientales postapocalípticas: un invierno nuclear cubriendo un desierto global, que fueron/son uno de sus productos más probables. El de ellos es un mundo sombrío desprovisto de sentido, en el que una crueldad insípida se burla de la idea de la distensión y ha reemplazado cualquier rastro de humanidad. Y así es el nuestro.

La Guerra Fría terminó en cierto modo, pero hemos logrado encontrar nuevas formas de enviar al mundo hacia la aniquilación, con una sólida mayoría de nosotros facilitando su ruina a través de una lealtad voluntaria y ciega a nuestros propios intereses egoístas. Las fuentes inmediatas de miedo han cambiado: de la guerra nuclear al cambio climático, por ejemplo. Pero el sentido de impotencia y la ansiedad resultante no lo han hecho. El trabajo de Comte rezuma la frustración de nuestra impotencia: para abordar el estado abrumadoramente peligroso de las cosas y la tarea aparentemente sisifista de hacer algo al respecto con el arte. Una tarea de la que ella no se echa atrás. Su biomorfismo amable en apariencia es sátira. Sus coqueteos con las apariencias y operaciones del diseño espacial son sátira. La feminidad explícita con la que impregna su trabajo, tratamientos materiales lujuriosamente sensuales, una sinuosidad general y una belleza formal extrema, son sátira. Nunca imagines que ella es algo menos que furiosa por el increíble desastre que hemos hecho del mundo.

«From Where We Rise» ofrece un ligero destello de esperanza, más allá de la belleza de las formas naturalmente derivadas. (La ola gigante que destruye tu pueblo es, en sus propios términos, algo sublime.) Si el mundo tal como lo conocemos llega a su fin —a manos de ocho mil millones de seres humanos no custodios, negligentes terricidas— tal vez Oaxaca sea uno de esos lugares donde la vida, en alguna forma, eche raíces para renacer.

Fundación Casa Wabi y John Giorno Foundation presentan Dial-A-Poem México, la primera edición póstuma en dos partes del icónico servicio de poesía pública de John Giorno. La pieza está disponible para las personas que llamen en México de forma gratuita desde el 10 de febrero de 2022.
Lanzado por primera vez en 1968 después de una conversación con William Burroughs, el proyecto en curso permite a las personas que llaman acceder a una selección de poesía marcando desde su teléfono. Dial-A-Poem fue único en el sentido de que descubrió el teléfono como un lugar de comunicación masiva. Más de un millón de personas utilizaron el servicio, que inspiró una variedad de aplicaciones artísticas y comerciales como Dial-A-Joke, Dial Sports y Dial-A-Horoscope.
La edición de México ofrece dos números gratuitos para las personas que llaman localmente, uno con poesía nacional y el segundo con poesía de ediciones anteriores en inglés:

+ 52 55 9225 2840 (Edición mexicana en español y lenguas originarias)
+ 52 55 9225 2673 (Edición original en inglés)

Dial-A-Poem México fue grabado en la Ciudad de México y es la primera edición que se produce en idiomas distintos al inglés. La plataforma reúne la obra de 30 autores mexicanos de diferentes generaciones con 27 textos en español y 3 en mixe, mixteco y maya tzotzil respectivamente. La selección fue organizada por Claudia Quezada— coordinadora del Centro de Investigación y Estudios Literarios de Aguascalientes (Ciela Fraguas)— y Alberto Ríos de la Rosa, curador de Fundación Casa Wabi. El servicio continuará creciendo cada año con nuevas obras de otros autores, músicos y artistas. Los autores y autoras seleccionados son:

Javier Acosta (Zacatecas ,1967)
Susi Bentzulul (Chiapas, 1995)
Adán Brand (Aguascalientes, 1984)
César Cañedo (Sinaloa, 1988)
Bertha María Choza (Sinaloa ,1994)
Elsa Cross (Ciudad de México, 1946)
Luis Vicente de Aguinaga (Jalisco, 1971)
Diana del Ángel (Ciudad de México, 1982)
Elisa Díaz Castelo (Ciudad de México, 1986)
Claudina Domingo (Ciudad de México, 1982)
Diana Domínguez (Oaxaca, 1994)
Victoria Equihua (Michoacán, 1993)
Fernando Fernández (Ciudad de México, 1964)
David Anuar (Quintana Roo, 1989)
Jeanne Karen (San Luis Potosí, 1976)
Lorena Huitrón (Veracruz, 1982)
Orlando Mondragón (Guerrero, 1993)
Alec Montero (Guanajuato, 1997)
Jorge Ortega (Baja California, 1972)
Patricia Ortiz (Aguascalientes, 1972)
María Rivera (Ciudad de México, 1971)
Martha Rodríguez Mega (Ciudad de México, 1991)
Celerina Sánchez (Oaxaca, 1967)
Claudia Santa Ana (Ciudad de México, 1974)
Renato Tinajero (Tamaulipas, 1976)
Ángela Vázquez González (Ciudad de México, 2000)
Eduardo Vázquez Martín (Ciudad de México, 1962)
Frydha Victoria (Nayarit, 1993)
Daniel Wence (Michoacán, 1984)
Ricado Yáñez (Jalisco, 1948)

El trabajo de Huma Bhabha aborda temas sobre la memoria, guerra, desplazamiento y las historias generalizadas del colonialismo. Utilizando materiales encontrados y detritos de la vida cotidiana, crea figuras humanas inquietantes que oscilan entre la abstracción y la figuración, la monumentalidad y la entropía.

Situada entre el mar y las montañas se inspirada en el mundo natural que la rodea, la escultura de concreto de 4.5 metros de altura alberga un jardín vertical con una variedad de especies de plantas que incluyen orquídeas, bromelias, cactus, higueras trepadoras, entre otras.

La superficie de la escultura está continuamente irrigada con agua que fluye constante y lentamente desde la parte superior hacia abajo.

Como una celebración al universo viviente, la monumental escultura-jardín se convierte en un poderoso símbolo que ahonda la percepción del tiempo y el espacio

La colaboración entre Sodi y Kato presenta un conjunto de tótems hechos a partir de cubos de barro y múltiples líneas orgánicas y elementos pictóricos que encarnan una forma de humanidad primaria y universal fundada menos en la razón que en la intuición. Las siluetas y rasgos de estos seres mágicos enfatizan formas simples y colores fuertes, e invitan a los espectadores a reconocerse a sí mismos.

Hecho a base de ladrillos de mármol blanco – el material epítome para la producción escultórica clásica – el muro es removido de su función tradicional recontextualizado en una narrativa del absurdo. Un muro que no divide nada materializa una crítica hacia las acciones irracionales e incomprensibles que conllevan a la construcción de muros físicos e imaginarios.

“Se trata de derribar los muros, físicos y mentales” –Bosco Sodi.
Bosco Sodi instaló un Muro simbólico en el emblemático Washington Square Park, de Nueva York. El proyecto surgió en respuesta a ‘la creciente indignación del pueblo mexicano en torno a las políticas migratorias implementadas en Estados Unidos’.
Los 1600 ladrillos fueron elaborados en colaboración con 20 artesanos mexicanos que utilizaron materiales de Oaxaca para posteriormente ser transportados por ruta migrante de Oaxaca a Nuevo Laredo, y de ahí hasta la ciudad de Nueva York.
Personas de todas las edades ayudaron a desmantelar el muro y se llevaron cada uno de los ladrillos. El objetivo responde sin violencia al trato hostil a migrantes; incluir en lugar de eliminar; y deconstruir muros.

Presentada por primera vez en 2006 durante la edición 27 de la Bienal de Sao Paulo, la instalación de celosías hechas de barro es el resultado de la colaboración entre los artistas Lucia Koch (Brasil) y Héctor Zamora (México). Koch y Zamora replantean los espacios expositivos convencionales, generando fricciones entre lo público y lo privado, exterior e interior, orgánico y geométrico, real e imaginario. La instalación contrasta con el concreto del edificio principal, generando una dinámica abierta y transitable hacía el jardín.

Fundación Casa Wabi agradece a los artistas la generosa donación de la pieza.

Loris Gréaud ha seleccionado una veintena de sus piezas para enterrarlas a lo largo de los senderos naturales de los jardines. El concepto del artista, sencillo y extremadamente complejo en su ejecución, incorpora el epítome del fantasma: las piezas son invisibles, pero están físicamente presentes. Por lo tanto, se anima a los visitantes a proyectar estas piezas, imaginarlas y fantasear con ellas.

The Underground Sculpture Park fue posible gracias a: Fundación Casa Wabi, Galerie Max Hetzler Berlin I Paris I London, Globe, Rosenblum Collection & Friends, LPART, Katoen Natie, Seeyousound, Realism Noir, Agnès Renoult Communication.

Hecha por el artista mexicano Bosco Sodi, la instalación de land art se compone de monumentales estructuras cuadriculadas que enfatizan la fuerza de la perspectiva humana frente a la naturaleza. El trazo de los cubos enmarca dramáticamente las variaciones de la luz, la entropía del desgaste, el poder del océano y la vegetación que nace entre los ladrillos. Cada uno de los sesenta y cuatro cubos de dos metros se componen de 1,600 ladrillos hechos a mano. En total, 102,400 piezas fueron cocidas en un horno rústico dentro de cuarenta lotes durante casi 1,000 horas. El peso total de este monumental pedestal de tierra es de 716 toneladas.